Storia dell'arte: stili artistici

Con la mostra Magnifiche collezioni. Arte e potere nella Genova dei Dogi (10 aprile - 7 settembre 2025) il viaggio della Reggia di Venaria nei tanti aspetti delle regalità italiane intese in senso ampio giunge nella Superba, appellativo con cui era nota Genova. Una Repubblica con a capo un duca: il doge. Un sovrano eletto dal patriziato genovese e che, dal 1528, restava in carica due anni. Le famiglie si contendevano l’elezione, gareggiando per sfarzo e prestigio. Da ciò grandezza e ricchezza delle loro collezioni, vere protagoniste dell’esposizione. Attraverso un centinaio di opere, provenienti principalmente da Palazzo Spinola e dalla Galleria Nazionale della Liguria, nonché da altri musei e collezioni, la guida accompagna il percorso espositivo, suddiviso in sei sezioni, dedicato al racconto del secolo d’oro di “Genova pittrice”, teatro del barocco, crocevia di opere e artisti “forestieri” e officina di una grande scuola pittorica. La mostra è stata possibile grazie alla collaborazione con i Musei Nazionali di Genova - Palazzo Spinola e Galleria Nazionale della Liguria, eredi e depositari delle collezioni di alcune delle più grandi famiglie genovesi.

Catalogo dell'artista. Guido Parigi è un artista che si distingue per la sua capacità di fondere una tecnica precisa con una profondità emotiva evidente nelle sue opere. La sua arte è caratterizzata da un uso sapiente del colore, unito a una forte componente di espressionismo che emerge in ogni pennellata. Parigi non si limita, cioè, a rappresentare la realtà in modo oggettivo, ma riesce a trasmettere emozioni complesse, creando paesaggi e scene che sembrano respirare e vivere di vita propria.

Nuovo numero di Arte Medievale, rivista specialistica internazionale dedicata alla critica dell’arte del medioevo, pubblicata in coedizione con l’Università La Sapienza di Roma. Testi in lingua originale.

Tra le molte vite di santi, alcune più di altre sfidano il nostro immaginario, raccontano personalità eccezionali e contrasti profondi, pongono domande senza tempo. Così è Maria Maddalena, figura tra le più enigmatiche e controverse della tradizione cristiana. I Vangeli e la tradizione agiografica raccontano la storia di una peccatrice, spesso identificata con una prostituta redenta che, tramite un processo di penitenza e conversione, giunge alla redenzione, diventando l’apostolorum apostola, colei che annuncia la Risurrezione. Ma è anche una storia d’amore, profondo, puro, incondizionato, quello di Maddalena: «Una donna che mostrò un grande amore a Cristo e fu da Cristo tanto amata» (Papa Francesco). La mostra nasce dalla volontà di celebrare l’amore e la ricerca del divino attraverso l’arte. Un viaggio tra carne e spirito, peccato e salvezza. Perché, oggi più che mai, il mondo ha bisogno di storie di perdono, redenzione e amore autentico. Un viaggio attraverso i secoli, un percorso di oltre 100 opere che dal Medioevo al contemporaneo ritraggono questa dualità potente: la bellezza sensuale e la spiritualità trascendente, la fragilità e la forza, l’umanità e la divinità.

Autoritratto al lavoro è la prima grande mostra antologica dedicata a Elisabetta Benassi (Roma, 1966) da un’istituzione attiva nella città in cui l’artista vive e lavora. Il progetto espositivo presenta oltre venti anni della sua produzione, giustapponendo lavori storici dei primi anni 2000 a opere recenti e a tre nuove produzioni realizzate per l’occasione. Muovendosi con libertà tra i più diversi linguaggi, medium e immaginari – da sempre tratto distintivo della sua ricerca – Benassi osserva criticamente l’eredità culturale, critica e artistica della modernità con l’intenzione di «entrare nella storia non per citarla ma per poterla far rivivere nel presente, creando una sorta di intrusione», suggerendo un’idea del tempo sempre paradossale.

"Bill Fontana. Silent Echoes: Vaticano" è la pubblicazione relativa all'installazione dell'artista americano Bill Fontana presso la Basilica di San Pietro. Con la collaborazione dell’IRCAM di Parigi (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) e un team di ingegneri del suono, Bill Fontana ha registrato le vibrazioni del Campanone, rendendole udibili tramite un sistema di 12 altoparlanti di ultima generazione collocati nel portico di San Pietro. Questo sistema restituisce ogni sfumatura e sottigliezza, trasformando la campana in una "scultura sonora" che comunica pace e speranza. Il volume include i contributi dei curatori del progetto Umberto Vattani e Valentino Catricalà, Luca Bagnoli dell'IRCAM, centro d’eccellenza internazionale nel campo della ricerca acustica e musicale legato a Centre Pompidou e una galleria fotografica ad opera dell'artista.

"Dell’immediatezza e di forze primarie" è il catalogo di una mostra collettiva di pittura che verte sull’immediatezza dell’atto pittorico e del «vedere» – che si lascia guidare da ciò che affiora in un dipinto, come da quanto si è in grado di apportare - sulle forze primarie e/o la dimensione fisica della realtà, sulla caratteristica concreta della pittura e la trasgressione/integrazione dei cosiddetti valori acquisiti nell’arte.

La presenza in Italia di oggetti bizantini provenienti da Costantinopoli e dalle altre regioni del Mediterraneo orientale, o prodotti nelle regioni italiane sottoposte alla dominazione bizantina, caratterizza tutto il periodo medievale e rimane significativa nei secoli successivi. Giunte attraverso le vie del commercio, della diplomazia, dei bottini di guerra, dei furta sacra e, in seguito, del collezionismo, queste opere hanno attraversato il tempo e lo spazio, finendo per trovare cittadinanza, di volta in volta, in contesti storici, geografici e culturali diversi da quelli per cui erano state create. Esse pongono l’osservatore e lo studioso di fronte a episodi di riuso, di manipolazione, di ricontestualizzazione e spesso di vera e propria risemantizzazione, ma a ben vedere sono proprio queste radicali trasformazioni ad aver consentito la loro sopravvivenza fino a noi. Si tratta di un patrimonio vasto e diffuso, che vede manufatti noti e meno noti convivere in molti casi all’interno degli stessi luoghi di conservazione, tanto nelle città più frequentate quanto nelle pievi più remote. I saggi contenuti in questo volume presentano alcuni casi studio esemplari, spaziando dall’area altoadriatica alla Sicilia e muovendosi tra tecniche e materiali diversi: dall’oreficeria alla scultura, dal mosaico all’intaglio in avorio. Opere – o frammenti di esse – che hanno viaggiato per sentieri spesso tortuosi e che oggi costituiscono un aspetto forse ancora poco esplorato della multiforme identità artistica della penisola.

Antonio Ligabue è uno degli artisti italiani più noti del Novecento. La piena fama, anche internazionale, la raggiunse solo dopo la morte, avvenuta nel 1965, sebbene negli anni, da povero in canna qual era nato e cresciuto tra Svizzera e Bassa reggiana, avesse assaporato la gioia di vedere affermata la propria arte, e di venderla a un prezzo sempre maggiore a diversi committenti. Alba Gainotti, in questo pregevole testo, ricostruisce la storia di un furto avvenuto nella sua casa di famiglia, un autoritratto di Ligabue, ricomparso solo molti anni dopo grazie a un catalogo d'arte e a una mostra. Dietro i brevi accenni al periodo storico e gli aneddoti sul quadro, commissionato al grande artista dopo averne ricevuto un altro in seguito la tragedia dell'alluvione del Polesine nel '51, l'autrice ricostruisce alcuni passaggi di vita di un genio, cresciuto in un ambiente dapprima sospettoso ‒ veniva chiamato da tutti "el matt" ‒ e infine conquistato da un'arte innovativa che ha influenzato molti altri pittori e segnato un pezzo di storia del nostro Paese.

Nell’estate del 1988 un gruppo di giovani studenti d’arte del Goldsmiths College di Londra decise di affittare un capannone dismesso nell’area del porto sul Tamigi e organizzò una mostra intitolata Freeze. L’evento agì come un’autentica deflagrazione nel sonnolento panorama artistico della capitale inglese, anestetizzato dal dominio decennale del governo conservatore di Margaret Thatcher. Quei sedici giovani e spavaldi studenti erano determinati a conquistarsi il successo da soli senza soggiacere ai tempi e alle ritualità di un sistema dell’arte chiuso e autoreferenziale come quello britannico dell’epoca. Nel decennio che andò dal 1988 al 1997, anno in cui si tenne Sensation, la più importante mostra del gruppo che fu ospitata in ben tre musei del mondo, si consumò una delle pagine più appassionanti della storia dell’arte dell’ultimo scorcio del ventesimo secolo, plasmando le carriere di alcuni dei più brillanti e rinomati artisti contemporanei quali Damien Hirst, Tracey Emin, Chris Ofili e Rachel Whiteread.

L’arte come esperienza dell’anima. La migliore pittura italiana declina i temi essenziali del Vangelo: l’infanzia, il perdono, il volto della Madre, la lezione della povertà e della speranza, la visione dell’amato innamorato, la sapienza dei santi e la fedeltà della Chiesa. L’arte si appella alla bellezza, giacché è la bellezza a svelarsi come la maniera per ritrovare il significato della vita. Perugino, Annibale Carracci, Andrea del Sarto e Batoni, Pietro da Cortona, Sassoferrato, Mengs e Barocci, assieme ai contemporanei Ceccobelli, Salvatori e Stoisa, fanno dell’arte il risveglio dell’uomo verso l’uomo. Grazie alla committenza papale e all’influenza della cultura cristiana, gli artisti contribuiscono a creare un linguaggio visivo capace di parlare ancora oggi in modo diretto e universale.