Studi teatrali

Finalmente in italiano, la guida più chiara e fedele al metodo Stanislavskij. Scritto con semplicità e precisione, "Il sistema Stanislavskij" di Sonia Moore è da oltre quarant'anni il compendio di riferimento per chi vuole avvicinarsi al lavoro dell'attore secondo la visione stanislavskiana. Con rigore e semplicità, Moore rende accessibili i concetti chiave del Sistema: l'azione, il sottotesto, la verità emotiva, l'analisi del testo e altro. Lo fa con uno stile pratico e immediato, offrendo uno strumento per approfondire il lavoro sul personaggio, l'immaginazione scenica e la consapevolezza del processo creativo. Tanto fedele alla ricerca di Stanislavskij quanto funzionale al lavoro dell'attore di oggi, questo libro offre uno sguardo essenziale, pratico e profondo su uno dei pilastri della formazione attoriale moderna. Prefazione di John Gielgud. Introduzione di Joshua Logan.

"Totò, figura plurima come Pinocchio…" di Aldo Marzi si propone di analizzare la complessità di Totò e Pinocchio, delineando parallelismi e influenze. Ne emerge, per entrambi, un forte legame con il teatro dei burattini e con il senso della metamorfosi. La pluralità di Totò, inoltre, si esprime non solo attraverso la "faccia/maschera" nata da un trauma e divenuta simbolo di comicità, o la caratteristica bombetta, ma anche attraverso alcune indoli umane specifiche: il profondo amore per gli animali, in particolare per i cani, e la generosità verso le persone.

Il teatro gioca un ruolo fondamentale nello sviluppo del pensiero critico e autocritico, facilitando i processi di pace nei contesti di conflitto. È infatti un mezzo valido per creare momenti di dialogo capaci di generare percorsi di ricostruzione delle comunità lacerate dalla guerra. Questo volume mette in risalto l’efficacia delle pratiche teatrali nel supportare la “guarigione” dei traumatizzati dallo scontro bellico, evidenziando la funzione cruciale del teatro a livello sociale, politico e per lo sviluppo della società. Dopo una panoramica sui conflitti globali e sui principali progetti realizzati in luoghi del mondo colpiti da guerre, il testo si concentra in maniera approfondita sul teatro nei territori occupati della Palestina, analizzando il lavoro delle più importanti realtà locali e alcuni programmi internazionali. Uno spazio rilevante è infine destinato al racconto – in forma di diario e con un ampio corredo fotografico – dell’esperienza della compagnia Anticamera Teatro, offrendo una testimonianza diretta del valore del teatro come strumento di trasformazione sociale.

Hanane, attrice e cittadina libanese sulla cinquantina, si allena ogni giorno per prevenire osteoporosi, obesità e depressione. Cammina nel suo spazio appartato, personale, ma anche all’aperto, a Beirut. Nel suo percorso rivisita sogni, desideri, speranze, disillusioni, personaggi e ruoli, soprattutto diverse Medee con cui condivide aspetti comuni. Gli effetti di questa routine quotidiana sono contraddittori. Nel suo corpo, infatti, vengono stimolati due ormoni, la dopamina e l'adrenalina, che sono alternativamente distruttivi e costruttivi, in una città che distrugge per costruire e costruisce per distruggere. Sola su un palcoscenico spoglio, Hanane – donna, moglie e madre – rivela la sua identità, diventando un'artista “svelata” su un palco dove i personaggi sfilano progressivamente per comprendersi come matrioske.

Il volume a cura della giornalista Francesca Romana Cicolella, celebra i primi dieci anni del Festival Sea Stories, ideato e diretto dall’attore Igor Chierici, nella suggestiva cornice dell’Isola delle Chiatte al Porto Antico di Genova. Ripercorre l’avventura teatrale e umana di un’idea nata da un’intuizione semplice quanto geniale: portare il teatro in mezzo al mare per raccontare storie di mare. Attraverso i contributi dello stesso Chierici e di altri collaboratori, il lettore viene guidato in un viaggio che parte da “La leggenda del pianista sull’oceano” (2016) e arriva fino a “Melville e la balena bianca” (2023), passando per “Moby Dick”, “Ulisse”, “Frankenstein” e molti altri. Il testo non è solo un resoconto delle singole produzioni, ma anche un’occasione per scoprire il processo creativo, le sfide burocratiche e logistiche, i successi e le emozioni che hanno reso il festival un appuntamento fisso e apprezzato, capace di richiamare un pubblico di fedelissimi. Il libro è un omaggio al teatro, alla città di Genova e alla forza delle storie che, come il mare, uniscono e sanno superare anche i momenti più difficili, come la pandemia o il crollo del Ponte Morandi...

Da dove nasce la magia che trasforma una persona in attore? E come si impara a usare corpo, voce ed emozioni per raccontare verità sul palcoscenico — e nella vita? Sam Ursida condivide vent’anni di esperienza, dubbi, errori, rinascite ed entusiasmo. Questo libro non è solo una raccolta di esercizi e tecniche teatrali: è un invito a mettersi in gioco, a liberarsi dal giudizio e a riscoprire — attraverso il teatro — la parte più autentica di sé. Pensato per attori, insegnanti, appassionati e curiosi, il testo fonde aneddoti, strumenti pratici e visione personale, offrendo un percorso di crescita dove ogni esercizio è un passo verso la consapevolezza, l’ascolto e la libertà espressiva. Tra ricordi personali, riflessioni profonde e strumenti pratici per attori e curiosi, questo libro è un inno alla libertà creativa, alla verità, e al coraggio di lasciarsi stupire. Perché sul palcoscenico, come nella vita, il segreto è, prima di tutto, divertirsi.

Le apparizioni di ombre — spettri, fantasmi di persone defunte, vittime di azioni violente e ingiuste oppure anime dannate, trapassate nell'aldilà senza provare alcun pentimento per i delitti commessi — nel teatro d'opera seguono liturgie strettamente connesse alla qualità scenica del testo e della musica concepite per esse. Nei titoli, prescelti in questo volume, che coprono uno spazio di tempo compreso in due secoli, tra Sette e Ottocento, le scene d'ombra, in varie accezioni semantiche, rivelano pur sempre un denominatore comune che si connota nella dicotomia insolubile 'vita-morte'. Di qui la temperie tragica, che attraversa i personaggi coinvolti in tali situazioni, denuncia tipologie drammatiche significative, atte ad intendere meglio lo sviluppo dei generi operistici praticati in Europa nel diciottesimo e diciannovesimo secolo. In questo senso, l'analisi, applicata a casi individuati in opere teatrali messe in musica da compositori appartenenti ad aree storiche e geografiche diverse, trae motivazione e significato.